DANIEL GALICIA

À l’occasion de l’exposition CRUSH (ENSBA Paris, février 2022), Daniel Galicia présentait une sélection d’œuvres récentes : The Quinceañera Project. Il en montrera une version augmentée le 24 juin prochain. Daniel Galicia, né en 1993 au Mexique, a déménagé à Montréal avec sa mère à l’âge de 14 ans. Il travaille maintenant en France depuis cinq ans. Des Beaux-Arts de Lyon à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) de Paris (Ateliers Emmanuelle Huynh et James Rielly), Daniel Galicia développe, entre autres, son Quinceañera Project. Une proposition riche et complexe née de sa volonté de fêter symboliquement ses 15 ans dans les codes de la tradition mexicaine. La Quinceañera demeure un rite de passage pour les personnes nées femmes, une transition de l’enfance vers l’âge adulte. Le travail de Daniel Galicia questionne les identités, les migrations, et explore les confins de l’intime. De ses œuvres peintes empreintes de surréalisme à ses performances poétiques, il offre au monde un répertoire riche et polymorphe. Il rend visibles les étapes essentielles de la réappropriation de soi et du retour aux origines.

 

 

Jeanne Mathas : Peux-tu nous parler de toi ? Il me semble que pour comprendre ton œuvre, il est nécessaire de revenir sur certains événements.

Daniel Galicia : Je suis née au Mexique et à 14 ans ma mère, enceinte de ma sœur, a décidé de déménager à Montréal pour vivre avec mon beau-père. Ça a été très difficile. Ma vie a complètement changé. Jusque-là, j’avais été le centre de l’attention de ma mère, mais à Montréal, j’ai eu l’impression qu’elle m’avait un peu oublié. On m’a arraché à ma famille. Il a fallu m’adapter à ce nouveau contexte, au climat, à la langue et puis à la solitude. Mon adolescence a été assez dure. Je me suis beaucoup interrogé sur la personne que j’étais, mes racines, ma langue. C’était une bataille contre moi-même, entre la découverte de qui j’étais et le fait de toujours vouloir rentrer dans des cases pour être accepté.

 

JM : Quel a été ton parcours académique ?

DG : J’ai commencé par le théâtre et la danse lors de mes études à Montréal. À 18 ans, mon professeur d’art dramatique m’a aiguillé vers une école de théâtre où j’ai été accepté. Après un an, je n’ai pas été retenu pour la suite. À cette époque je pratiquais déjà la peinture en autodidacte. Je me souviens d’un couloir de mon collège, ses murs étaient recouverts de tableaux. Au fond, il y avait christ. C’était très cinématographique. C’est en voyant ce Christ que j’ai réalisé que je peindrai. Les deux années qui ont suivi, j’ai appris la technique de la peinture, la photographie, la vidéo, la sculpture.

 

JM : Que t’apportent l’ENSBA et le fait de travailler dans deux ateliers différents ? 

DG : En arrivant aux Beaux-Arts de Lyon, il y a 5 ans, j’ai découvert une autre façon de faire de l’art. Ce n’est pas du tout académique. Aux Beaux-Arts de Paris, dans l’atelier de James Rielly, j’ai mon espace où je peux déployer mon univers. J’ai besoin de cet espace, prendre de l’espace c’est politique. Avec Emmanuelle Huynh, je peux m’exprimer par le corps. J’ai besoin de bouger pour me connaître. J’ai besoin de me montrer, d’activer certaines choses. 

 

JM : Peux-tu nous parler plus en détail de The Quinceañera Project ?

DG : J’avais cette idée de la fête de mes 15 ans depuis quelque temps. Je voulais faire une fête traditionnelle mexicaine, dans une institution française en m’appropriant l’espace, ma culture et mon genre. Je voulais également rendre hommage à ma mère, à ma grand-mère, à toutes ces femmes qui m’ont montré le chemin. J’ai pensé à ma tante et j’ai voulu retourner au Mexique pour faire la robe avec elle. Sur le chemin, il y avait Montréal où je n’étais pas retourné depuis la crise sanitaire. C’est à ce moment-là que l’on m’a refusé l’accès au territoire. Ça a été un choc. Il a fallu remplir des documents, se justifier. L’idée d’imprimer sur la robe était déjà présente avant, mais j’ai eu une véritable révélation : tous ces documents sont une deuxième peau. La robe m’a permis de grandir en tant qu’artiste.

 

JM : Quel a été est ton cheminement, d’une peinture réaliste vers une pratique plus hybride ?

DG : Avant la robe et The Quinceañera Project, je me posais beaucoup de questions. J’avais la sensation que ma peinture n’était qu’une retranscription d’images. Aussi, les thèmes que j’aborde sont des thèmes sensibles, intimes. J’ai toujours fait des autoportraits, mais j’ai arrêté de les appeler ainsi, ce sont des autoreprésentations. Je me suis questionné sur ces tableaux-là, je me représentais pour mieux me comprendre. J’idéalise ma culture, ma personne, mon histoire. Il y a aussi une place importante accordée à l’amour dans mon travail. Histoire d’amour entre un pays, une langue et une histoire. La robe, les performances permettent, elles, de sortir du tableau. Ce dernier projet prend beaucoup de place, je le laisse m’habiter. J’essaye de l’explorer de différentes manières, à travers le dessin, les photographies ou bien par la performance. C’est important que la robe puisse vivre. 

 

JM : Dans certaines de tes toiles, on retrouve une dimension esthétique semblable à certaines toiles surréalistes, je pense notamment à l’œuvre NENE GUTIERREZ GALICIA.

DG : Mon imagerie s’est construite grâce à Frida Kahlo. Elle est la première artiste que j’ai connue. Sa peinture m’a beaucoup touché, car elle représente sa vision du monde et revendique fièrement ses racines. NENE GUTIERREZ GALICIA est inspiré de mon échographie. Nene veut dire petit garçon. Même avant d’être né, un genre m’avait été assigné. J’ai décidé d’utiliser cette image qui forme une auréole, un nuage autour de moi. J’ai caché mon sexe, un aigle se dessine au niveau des poils pubiens. C’est le drapeau du Mexique qui évoque mon rapport à ma mère et mon pays. Le côté mystique, parfois religieux m’intéresse aussi. Au Mexique, l’iconographie religieuse est très présente. Sur un mur de CRUSH, ma mère est représentée toute petite en haut du mur, comme une vierge, un ex-voto.

 

JM : Tu parles de mythologies, quelles sont-elles et comment infusent-elles ton travail ?

DG : Quand je parle de mythologies, c’est un synonyme de ma construction. Je me suis toujours questionné, même enfant, sur mes envies, mes désirs. Souvent, ils ne correspondaient pas à ce que la société exigeait. Ma mythologie est celle de la femme idéale, je joue avec cette image. Il y a quelque chose de l’ordre de l’intime et de la sensualité. Cette femme, c’est ma mère. Sans oublier, ces femmes fortes qui m’entourent.

 

JM : Il y a la notion d’héritage qui est très prégnante dans tes œuvres, quelle est sa place dans ta pratique ?

DG : Les femmes avec qui j’ai grandi sont des femmes qui ne correspondaient pas à ce que la société attendait d’elles. Ce sont des personnes qui ont vécu des choses importantes qui les ont endurcies. Je parle des femmes, car elles ont toujours besoin de plus de visibilité. Parler d’elles, c’est leur laisser la place. Dans les œuvres que j’ai conçues, je reconnais leur travail et leur aide. J’ai souligné la collaboration avec ma tante, sur les cartels, je n’écris pas « tante », mais « photographe ». C’est important pour moi qu’elles soient vues.

 

JM : Dans ton œuvre, tu dépasses les frontières des représentations du genre ? Est-ce un engagement de ta part ?

DG : Dans mes images, mes pièces, mes tableaux, j’essaie d’être politique, activiste, mais à ma manière, douce et poétique. J’aime beaucoup le paradoxe dévoiler/cacher, vie privée/vie publique. J’affiche ma vie, les gens savent tout ce que j’ai vécu. Ce n’est pas une honte, au contraire. J’ai besoin de m’approprier cette histoire. Cette mythologie dont on parlait, elle commence avec la migration. En arrivant à Montréal, j’ai dû me déconstruire pour mieux me reconstruire. Je suis content de pouvoir montrer ce que je fais, de partager mon expérience de la migration, du genre. Je veux créer du lien. 

 

JM : Ton œuvre est riche, polymorphique…

DG : J’aime ce mot, polymorphe. J’aime le mélange des cultures, d’époque, et le mélange des genres. En général, dans mon œuvre, il est difficile de parler d’un sujet séparément. Je ne peux pas parler de migration sans parler de ma mère ou de genre. Tout est lié. La robe, par exemple, c’est une robe-panier, à la française, mais elle a été conçue au Mexique avec ma famille. Elle représente l’institution des 15 ans au Mexique. Sur la robe sont sérigraphiés tous mes documents administratifs. Il y a beaucoup de couches, parce que je pense qu’on est fait d’une multitude d’influences.

 

JM : Qui est Malva Morose ? 

DG : Malva Morose c’est un alter ego. Elle est apparue lorsque je me questionnais sur la notion d’identité. Ce nom vient de deux mots que je ne connaissais pas. Malva, en espagnol, qui est une fleur, mais aussi la couleur mauve ; et morose en français. Ce mot évoque la mélancolie, la nostalgie. C’est exactement ce que je suis. Les personnes migrantes ont un vide, une morosité qui persiste. Malva Morose est apparue de ces deux langues qui fusionnent.

 

JM : Comment investis-tu cette question de la nostalgie, du vide dans ton travail ?

DG : Dans certains autoportraits, on retrouve souvent une plaie, très christique. La blessure existe. Dans ma pratique, tout ce que je fais est thérapeutique. L’art m’a sauvé quand je ne savais plus comment m’exprimer. The Quinceañera Projectm’a aidé. À mon retour en France, j’allais mieux.

 

JM : Sur quoi travailles-tu en ce moment ? 

DG : Je fais beaucoup de dessins sur papier au stylo Bic. J’aime le côté cheap et accessible. En peignant sur des documents, en dessinant sur du papier, on touche à la fragilité, à la banalité. C’est une manière de détourner ma pratique, très classique, de la peinture. Je pourrais faire des tableaux, mais je suis passé à autre chose. Je vais aussi commencer à travailler la préparation de mon diplôme. J’aimerais faire une soirée de clôture où l’on célébrera, tout en la critiquant, cette tradition mexicaine.